L'histoire de l'art est une histoire jalonnée de ruptures, de critiques et de censures. C'est grâce à des artistes qui ont bousculé les règles classiques et créé la polémique que l'art s'est construit. La représentation du corps, et plus particulièrement du nu féminin, est un thème majeur qui a suscité fascination, controverse et évolution des mentalités à travers les siècles.
Le Nu au Moyen Âge : Vulnérabilité et Péché
Au Moyen Âge, l'Église, consciente de l'importance de l'image pour l'enseignement des fidèles illettrés, utilisait le nu pour montrer la vulnérabilité de l'homme. L'art était principalement à but religieux et le nu était considéré comme un péché, renvoyant à la condition mortelle et imparfaite de l'homme.
Les peintres représentaient ainsi le nu pour des raisons iconographiques. On retrouve par exemple des personnages nus sur les tympans des églises évoquant les Enfers. Adam et Ève, deux figures bibliques, sont des synonymes mêmes de la nudité et du péché. Ils sont représentés dans leur plus simple appareil, leurs parties génitales couvertes par des serpents ou des feuilles.
En 1425, le peintre italien Masaccio réalise une fresque représentant Adam et Ève chassés de l'Éden, pour l'église Santa Maria del Carmine à Florence. Tandis qu'Adam baisse les yeux et se cache le visage, Ève dissimule sa nudité, les yeux révulsés et la bouche ouverte comme si elle hurlait. Au-dessus d'eux, on aperçoit un ange vêtu de rouge qui leur montre du doigt le chemin à prendre. En face, dans la même chapelle, se trouve la fresque du peintre Masolino, Le Péché Originel, faite en 1424. Adam et Ève se regardent d'un air serein, se tenant droit et majestueux. Une lumière émane des personnages, le fond obscur faisant ressortir les corps à la stature antique. Il est intéressant de confronter ces deux fresques. L'Éden de Masolino est idyllique, Adam et Ève y sont beaux et lumineux. À l'inverse, Masaccio représente Adam et Ève terrorisés.
La Renaissance : Redécouverte de l'Antiquité et Valorisation Esthétique
À partir de la Renaissance, le nu commence à perdre son caractère iconographique pour être uniquement valorisé pour ses qualités esthétiques et sensuelles. À cette période, la redécouverte de l'Antiquité et l'intérêt pour la beauté plastique amènent les artistes à valoriser le nu pour lui-même, qui devient l'une des principales sources d'inspiration. Les artistes peignent le corps humain à partir de modèles vivants tout en respectant les proportions.
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En 1485, Botticelli est le premier à peindre un nu féminin, sans raison religieuse. C'est un nu féminin quasiment grandeur nature, et une représentation de Vénus qui dévoile gracieusement son corps. Toutefois, pour éviter la censure, Botticelli rabat volontairement les longs cheveux de Vénus sur son sexe. Sa pudeur est à peine dissimulée par ces deux gestes qui ne masquent que partiellement ses courbes féminines. Il s'agit d'un jeu entre ce qu'elle cache et ce qu'elle donne à voir, cette idée introduisant une dimension érotique. D'ailleurs, sa position est aussi très érotique. Elle s'inspire du « contrapposto » antique dans laquelle l'une des jambes est tendue, l'autre légèrement fléchie, le tout faisant ressortir la hanche et la silhouette élancée. Elle a le regard songeur. À quoi pense-t-elle ? Se réveille-t-elle d'un rêve ? Botticelli est au sommet de sa renommée quand il peint ce tableau à la demande de riches commanditaires, rompant alors les conventions.
La Vénus d’Urbin (1538) de Titien, incarnation de la sensualité et de l’élégance dans la peinture vénitienne du XVIe siècle. Icône de la Renaissance, La Naissance de Vénus (v. 1485) de Sandro Botticelli incarne la réinvention du nu féminin à travers le prisme de la mythologie antique.
Maniérisme et Rococo : Liberté et Frivolité
C'est véritablement à la période du maniérisme, au 16ème et au 17ème que le nu se délivre de toute contrainte ou considération religieuse. En effet, le maniérisme offre une grande liberté dans les représentations du corps. Datant de 1550, le tableau d'Agnolo Bronzino intitulé Allégorie du triomphe de Vénus est l'un des exemples phares du maniérisme. Sous ce spectacle charmant se dissimule une scène incestueuse, un baiser entre Vénus, déesse de la beauté et son fils, Cupidon, incarnation de l'amour.
Le style rococo a lui aussi été une source d'inspiration pour les artistes de nus. Jean-Honoré Fragonard a peint des grands paysages, des peintures religieuses et mythologiques. Pourtant, il est considéré comme le peintre de la frivolité et du rococo. La Chemise enlevée, datant de 1770, est sans doute l'une des œuvres les plus emblématiques et sensuelles de l'artiste. Au centre, une femme nue est allongée et un « putto », attribut de la déesse Vénus, lui enlève sa chemise. Le tableau présente un sujet osé, même si les yeux clos et le corps à moitié tourné peuvent évoquer une certaine pudeur. Ici, le nu est sublimé par les coloris blancs, gris et rosés qui mettent en lumière la peau jeune et belle de cette femme.
Romantisme et Réalisme : Exotisme, Sexualité et Vérité Crue
Le courant romantique veut montrer la réalité, sans hésiter à la dramatiser. Cette époque marque l'arrivée de l'exotisme et du fantasme des harems. Les nus sont alors libérés et évoquent même la sexualité. Le romantisme rompt totalement avec le classicisme et le néoclassicisme en rejetant les conventions formelles.
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En 1790, Francisco de Goya montre probablement pour la première fois la pilosité intime d'une femme réelle - et non pas une déesse ou nymphe - dans son tableau La maja desnuda - La maja nue. L'artiste met alors en avant le nu, sans autre justification que le plaisir de se dévoiler. La maja nue a le regard confiant et fixe le spectateur, sans honte ni timidité. Cette peinture, qui représente la maîtresse du peintre espagnole, fut commandée pour un usage privé et devait être à l'abri du regard public.
Les peintres réalistes se focalisent sur les nus pris sur le vif, dans leur vie quotidienne. Bien sûr, il est impossible de ne pas mentionner le tableau L'Origine du monde de Gustave Courbet qui a fait scandale auprès du public et des Salons en 1866. Sans filtre, il représente le sexe féminin. Courbet rejetait la peinture académique et ses nus idylliques, idéalisés. Provocante et naturaliste, L’Origine du monde (1866) de Gustave Courbet bouleverse les conventions du nu académique.
Impressionnisme : Révisiter le Nu et Provoquer le Scandale
Les peintres impressionnistes ont le mérite d'avoir revisité le nu. En supprimant les bords et les contours du corps, ils privilégient les couleurs, le geste du pinceau pour donner une vibration et une vitalité aux corps. Et c'est au sein de la peinture impressionniste que les nus font le plus scandale. En effet, nombreux sont les artistes qui peignent des femmes ordinaires, généralement dans leur plus simple appareil.
En 1863, avec ses deux tableaux Olympia et Déjeuner sur l'herbe, Edouard Manet se détourne radicalement des normes académiques de l'époque. Le peintre, assurément moderne, veut représenter la réalité de son époque : Olympia est une prostituée et non une déesse mythologique ou une nymphe. Il peint cette réalité sans chercher à l'idéaliser. Cependant, au milieu du 20ème siècle, le nu n'est admissible que s'il est situé dans un espace exotique ou mythologique. Aussi, le peintre représente une femme nue fortement individualisée et provocante. Elle fixe le spectateur : c'est ce regard direct et l'expression d'indifférence qui font scandale. Dans les peintures académiques, les figures féminines nues sont « surprises », ont le regard fuyant, comme si on les surprenait dans leur intimité. Elles ne se montrent pas volontairement nues. Avec Olympia (1863), Édouard Manet rompt avec l’idéalisation pour proposer un nu frontal, moderne et critique du regard masculin. Manet et l’“Olympia” : une révolution du regard.
Les figures de nues sont aussi au cœur de l'œuvre d'Edgar Degas. Le nu est son sujet de prédilection car c'est le genre dans lequel il innove le plus : ces nus rendent compte de la variété de techniques dont Degas s'empare.
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Comment parler de nus artistiques sans évoquer ceux de Paul Cézanne ? Dans son tableau La Tentation de Saint-Antoine, Cézanne livre une expression sombre de femmes à la peau verdâtre et maladive. Habituellement situé au centre du tableau, on observe la figure de Saint-Antoine, coincé à gauche du tableau, à peine visible. Notre regard se tourne inévitablement vers ces trois femmes au corps robuste, aux ventres et seins opulents. À gauche, la quatrième figure, moins éclairée, danse devant Saint-Antoine. À cette époque, Cézanne n'arrivait pas à se convaincre d'inviter des femmes à poser nues pour lui. Ces figures provocatrices vont, plus tard, laisser place aux figures des baigneuses calmes. À travers ce tableau des Baigneuses, Cézanne veut inventer son propre système de représentation. Il cherche à déconstruire le sujet en supprimant tout élément narratif et descriptif, puis à le reconstruire en simplifiant les formes à l'extrême. On ignore qui sont ces femmes, leur visage n'étant que partiellement peint. De plus, formes et couleurs se mélangent à la surface de la toile, créant une fusion des femmes et du paysage.
Expressionnisme Allemand : Sexualité Intense et Angoisse Existentielle
Le mouvement de l'expressionnisme allemand a lui aussi créé de nombreux nus. Ami de Gustav Klimt, Egon Schiele était un peintre expressionniste majeur, le plus sulfureux du début du 20e siècle. En effet, son travail est marqué par une sexualité intense, heurtant de plein fouet les tenants du classicisme et les conventions bourgeoises de l'époque. En 1910, Schiele commence à expérimenter le nu et met en scène des personnages émaciés aux couleurs maladives. Nu féminin en est un parfait exemple : une femme nue, dans une position désarticulée, qui présente un corps maigre et cadavérique. Le fond uni et le halo blanc qui entoure le corps renforce la solitude du sujet. Les yeux mi-clos et la main font presque penser à une figure mortuaire, rappelant ainsi le rapprochement que fait l'artiste entre la sexualité et la mort. Mais ce nu de Schiele est en même temps tout-puissant ! Il faut alors rattacher les nus de Schiele à la psychanalyse, qui prend son essor à cette époque. En effet, le corps nu est pour l'artiste le vecteur de son angoisse existentielle. Ses sujets traduisent la dualité du corps, à la fois source des pulsions sexuelles et symbole mortuaire.
Témoin direct des atrocités du 20ème siècle, Otto Dix n'a cessé de dénoncer, à travers sa peinture, les violences et l'absurdité de son temps. Le mauvais goût, la laideur, les situations et grotesques fascinent le peintre. À cet égard, l'artiste peint des femmes tourmentées, des veuves de guerre et des prostituées. Dans Demi-Nu, Otto Dix est captivé par le corps de cette femme qui essaye de masquer pudiquement sa nudité. Une sensation de malaise et de gêne se dégage de ce tableau.
Après la Seconde Guerre Mondiale : Réappropriation Personnelle et Pop Art
Après la Seconde Guerre Mondiale, les artistes se réapproprient le nu d'une façon très personnelle. Tom Wesselmann, artiste américain et figure majeure du pop art, réalise des nus féminins en utilisant des images découpées dans des magazines et objets trouvés. Provocantes et dépersonnalisées, ses œuvres sont devenues de véritables icônes érotiques, emblématiques des années 60. De ce fait, Wesselmann veut que ses nus suscitent de vives réactions. Il dira « Le nu, je pense, est un bon moyen d'être agressif, au sens figuré. Je veux susciter des réactions intenses et explosives chez les spectateurs.
Les toiles d'Hildegarde Handsaeme sont de véritables odes à la femme. Le corps y est poétique et coloré, semblable à ce que les cubistes faisaient à leur époque. La nudité est franche, les formes généreuses. Ici et là, les aplats de couleurs mettent en valeur les corps aux contours fins, dominés par la courbe.
Le Nu Féminin au XXIe Siècle : Féminisme, Identité et Pouvoir
Depuis la période moderne, le nu évoque essentiellement un corps féminin, héritage des peintres (et de la société !) qui en ont fait un objet de désir masculin. Au XXe siècle, de plus en plus de femmes artistes reprennent en main la représentation de leur propre corps. Suzanne Valadon, Tamara de Lempicka, Frida Kahlo ou encore Alice Neel peignent des nus sans fard, parfois introspectifs, parfois critiques. Le nu devient moyen d'expression intime et d'émancipation. Œuvre féministe majeure, The Dinner Party de Judy Chicago célèbre les figures féminines de l'histoire à travers des symboles corporels et sexués.
Dans l'art contemporain, le corps féminin peut être fragmenté (chez Louise Bourgeois), mis en scène (par Cindy Sherman) ou revendiqué (dans les performances de Carolee Schneemann ou les photographies de ORLAN). Le nu n'est plus objet de désir, mais espace de combat, de métamorphose, de réflexion. En se mettant elle-même en scène dans la série Untitled Film Still #21 (1978), Cindy Sherman interroge les stéréotypes du féminin dans l'image et la culture visuelle. Jenny Saville avec Self-portrait (1998) déconstruit les normes de beauté avec un nu féminin massif, charnel et assumé.
Scandales Marquants dans l'Histoire du Nu
Plusieurs œuvres ont marqué l'histoire de l'art par leur caractère scandaleux et leur remise en question des normes établies :
- Le Jugement dernier de Michel-Ange (Chapelle Sixtine): La nudité des saints représentés a choqué l'Église.
- La Maja nue de Goya: La rumeur de son existence a provoqué un scandale et a conduit à la création d'une version censurée.
- Le Déjeuner sur l'herbe de Manet: La représentation d'une femme nue avec des hommes habillés a été perçue comme une transgression des mœurs.
- L'Origine du monde de Courbet: La représentation frontale de l'intimité féminine a suscité la polémique.
- Les œuvres d'Egon Schiele: Ses dessins érotiques ont été qualifiés d'obscènes et ont conduit à son emprisonnement.
- Dirty Corner d'Anish Kapoor (Versailles): Surnommée "Vagin de la Reine", la sculpture a été dégradée en raison de sa connotation sexuelle.
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