Henri Matisse (1869-1954), un artiste prolifique, a excellé en tant que peintre, dessinateur, sculpteur, graveur et architecte. Malgré une opération qui le força à peindre alité pendant les dix dernières années de sa vie, il resta actif jusqu'à l'âge de 85 ans. Son œuvre, marquée par une quête constante d'harmonie entre des éléments apparemment opposés, continue de fasciner.
La Quête d'Harmonie: L'Œuvre Ultime de Matisse
Matisse a cherché à concilier des objectifs contradictoires : la couleur et le dessin, l'espace islamique et celui de la perspective, la ressemblance et le signe dans les portraits. Selon le critique d'art Pierre Schneider, cette recherche atteint son apogée dans La Grande décoration aux masques (1952), conservée à la National Gallery of Art de Washington. Cette œuvre monumentale, une gouache découpée de dix mètres de long et trois mètres de haut, est considérée par Matisse lui-même comme son chef-d'œuvre, une résolution du conflit qui l'a toujours hanté : accorder les inconciliables.
Couleur et Dessin: Un Conflit Résolu
Le conflit entre la couleur et le dessin, la tache et le contour, est une constante dans l'œuvre de Matisse. Dès 1905, dans une lettre à Paul Signac, il exprime son angoisse face à l'abandon à la couleur pure dans Luxe, calme et volupté, s'interrogeant sur l'accord entre le caractère du dessin et celui de la peinture. Il perçoit alors une contradiction fondamentale : le dessin dépend de la plastique linéaire ou sculpturale, tandis que la peinture dépend de la plastique colorée, la division de la peinture détruisant le dessin.
Cependant, à travers la gravure, Matisse trouve un moyen de concilier ces éléments. Schneider souligne que les années les plus marquantes de la peinture fauve coïncident avec une première vague d'estampes, où Matisse accentue les contours des nus pour défendre la blancheur du corps. Il retient de cette expérience que le noir devient couleur dès qu'il n'est plus une ligne.
Après son opération en 1941, Matisse se sent paradoxalement libéré et s'abandonne à la couleur. Dans ses "gouaches découpées", la forme devient couleur, l'une et l'autre confondues, effaçant la distinction traditionnelle.
Lire aussi: Conditions et Avantages
Espace Occidental et Oriental: Une Fusion Culturelle
Tout au long de sa vie, Matisse a exploré de nouveaux espaces, tant physiques que picturaux. Il a connu des périodes de confinement physique, notamment après son opération en 1941. Sur le plan artistique, il a exploré trois espaces distincts : la perspective, l'espace abyssin et l'espace islamique.
La perspective domine ses premières œuvres, tandis que l'espace abyssin, découvert à travers la cosmogonie, se manifeste dans des toiles grandioses comme La Danse et La Musique (1909-1910). La révélation de l'Orient, plus précisément de l'Islam, date de 1906, lors d'un voyage en Algérie, et se confirme lors de séjours à Tanger en 1911-1913 et à travers les collections d'art musulman du Louvre.
Matisse trouve dans l'espace islamique une esthétique de déroulement, où la composition n'est plus centrée sur un motif mais obtenue par progressions rythmiques. L'œuvre investit l'espace disponible et suggère une expansion potentiellement infinie. La légèreté et la mobilité sont également des caractéristiques essentielles de cet espace.
Dans ses peintures, Matisse exprime l'art islamique à travers des tissus et des tapis, qui deviennent des sources d'inspiration majeures. Les Tapis rouges (1906) et Rideau égyptien (1948) jouent un rôle central, couvrant La Desserte rouge (1908), remplissant L'atelier rose, et enveloppant l'intérieur des aubergines (1911). Dans les gouaches découpées, les étoffes s'effacent, laissant place à une fusion des couleurs, des formes, de la surface et du fond.
La Grande Décoration aux masques illustre parfaitement cette conciliation, intégrant un immense tapis floral horizontal avec des verticales centrales et latérales, créant une harmonie où la planéité de la surface garantit une expansion horizontale sans fin.
Lire aussi: Grand bavoir maternelle : guide d'achat et d'entretien
Portrait Réaliste et Spirituel: Au-Delà de la Ressemblance
Matisse a souvent affirmé que son principal intérêt résidait dans la figure humaine. Pour lui, une gravure est la rencontre d'une figure et d'un fond. Il rejette le portrait réaliste, qui appelle un fond en perspective, au profit d'un portrait spirituel, qui peut se réduire à quelques traits.
Matisse possédait un don mimétique si intense qu'il pouvait capturer l'essence d'un individu, au point de rendre reconnaissable une mère à travers le portrait de sa fille. Cependant, cette entreprise n'est pas sans risque. La blancheur du fond, une fois libérée, peut difficilement être contenue, menaçant de dissoudre la figure.
Dans ses séries gravées, Matisse explore la relation entre le portrait réaliste et le portrait spirituel, la ressemblance et l'abstraction, la figure et le fond. Il qualifie certains de ses portraits de "masques", soulignant leur caractère à la fois familier et distancié.
Pour La Grande Décoration aux masques, Matisse emprunte deux visages à sa trentaine d'aquatintes créées entre 1948 et 1953. Cependant, la compatibilité entre la perspective horizontale du tapis floral et celle des masques, qui renvoie à la perspective du portrait, est interrogée. Le fond blanc de la céramique, qui place les fleurs dans une vision d'infini, creuse-t-il les masques ?
Schneider souligne que, malgré une apparente disproportion, les figures attirent et retiennent l'attention. Elles émergent d'un fond blanc intensif, différent du fond extensif du parterre de fleurs. Avec le temps, ces visages cessent d'être des masques pour devenir des créatures humaines, laissant affleurer une ébauche de moue, un soupçon de sourire, un clignement de l'œil. La contemplation transforme le spirituel en matériel et l'abstrait en humain, créant un va-et-vient constant entre les deux.
Lire aussi: Comment annoncer la naissance du bébé ?
tags: #grand #nu #couche #matisse #histoire #et